MIKE OLDFIELD - OMMADAWN

MIKE OLDFIELD – OMMADAWN

Al igual que con muchos músicos y artistas en general, resulta fundamental la influencia del entorno familiar para el desarrollo de sus aptitudes artísticas, en este caso para los muchachos  Oldfield, les resulta motivador Raymond Oldfield, su padre, quien influenció de manera definitiva a sus retoños, Terry, Sally y Mike, por su escasa condición musical, ya que este solamente sabia interpretar un solo tema, el clásico Irlandés “Danny Boy”, mismo que repetía incansablemente todas las Nochebuenas en su guitarra que había adquirido durante la segunda guerra mundial cuando servía en la Real Fuerza Aérea estacionada en Egipto. Por otra parte, Mike también atribuyó su temprano interés por la música al hecho de haber visto de niño al virtuoso guitarrista Bert Weedon, guitarrista Inglés cuyo estilo de tocar la guitarra fue muy popular e influyente durante los años 1950 y 1960. Él fue el primer guitarrista británico de tener en 1959 un disco de éxito en la lista de singles del Reino Unido, y sus muy vendidas guías tutoriales, Play in a Day, las que serían una gran influencia para muchos músicos británicos que marcarían la historia del rock dentro de los que se destacan Eric Clapton , Brian May , Paul McCartney , George Harrison , John Lennon , Dave Davies , Keith Richards , Pete Townshend , Tony Iommi y Jimmy Pagesobre este músico Mike diría: "Le vi en la tele cuando tenía siete años y enseguida convencí a mi padre para que me comprara mi primera guitarra. De hecho, creo que de no haber sido por Bert nunca hubiera llegado a ser lo principal en mi vida".

La guitarra resultaría para Mike más que un instrumento, era una vía de escape de una situación familiar que fue empeorando y apartándolo del mundo exterior durante mucho tiempo “En cuanto me daban vacaciones en la escuela, pasaba la semana entera practicando y tocando la guitarra". A lo largo de la década de los 60’s, la escena musical acústica había gozado de muy buena salud, debido al resurgimiento de la cultura folclórica británica que tuvo lugar en las décadas anteriores. Fue en uno de los muchos clubes dedicados a este movimiento donde el joven Mike empezó a darse cuenta de que su virtuosismo musical era del agrado del público quien había comenzado a realizar sus propias composiciones desde los 10 años. “Tenía dos instrumentales de 15 minutos cada uno, que tocaba en los clubes de folk locales en los que iba repasando todos los estilos. Desafinaba las cuerdas totalmente y las doblaba sobre el mástil y hacía todo tipo de cosas. Probó también con la música eléctrica, tocando piezas instrumentales de The Shadows en un grupo amateur, sobre las cuales retomaría un tema y le publicaría dentro de su discografía.

A la edad de 13 años, aprovecahndo que la familia Oldfield se trasladó a Romford, Essex, deja la escuela y junto con su hermana Sally forman el dúo folk-hippie de voz y guitarra The Sallyangie, logrando publicar un álbum "Children of the Sun" en 1968 y el single Two Ships en 1969. Por aquellos días llega a oídos de Mike la música de John Renbourn, músico de formación clásica quién durante sus estudios tomó contacto con la música medieval, y quien en los años 50 estuvo influenciado fuertemente por la música skiffle, y a comienzos de los 60’s por el Rithm & Blues, hacia 1963 este se une a Bert Jansch  desarrollando un nuevo estilo que vino a llamarse el folk barroco, durante aquellos años Renbourn publica dos trabajos de especial trascendencia, Sir Jon Alot y Lady and the Unicorn mismos que resumen su estilo de esa época. El primero es una mezcla de jazz/blues y folk sobre una base de música clásica y antigua; en el segundo se aprecia más el gusto de John por la música medieval. Después de un año, llegó el fin de Sallyangie. Por estos días la guitarra de Mike se hace más fuerte

A principios de la década de los 70, Terry Oldfield funda junto a su hermano Mike el grupo Barefoot, con el que toca rock and roll en colegios y clubes de todo el Reino Unido. Eso le llevo a trabajar como bajista junto a Kevin Ayers, quien a la disolución de la banda Wild Flowers, Ayers junto con el teclista Mike Ratledge y asociándose con Robert Wayatt y Daevid Allen (Gong) fundan Soft Machine acompañándoles durante los conciertos el guitarrista Andy Summers (Police), siendo este último despedido por sus diferencias con Ayers los restantes músicos de Wild Flowers fundarían la también renombrada banda de la escena de Canterbury Caravan,  Ayers abandona el grupo en 1968 luego de una agotadora gira como teloneros de Jimi Hendrix y de compartir rutinariamente escenario en el UFO Club con la banda Pink Floyd. Al año siguiente publica el álbum Joy of a Toy, que les llevó a hacer una gira en 1970.

Pronto apareció el segundo álbum de Ayers, Shooting at the moon. Para este disco, reunió a una banda de acompañamiento, a la que bautizó The whole world. De ella formaban parte un joven Mike Oldfield al bajo y ocasionalmente a la guitarra solista y David Bedford, a los teclados, compositor de formación clásica estudió música en la Real Academia de Música con Lennox Berkeley, y más tarde en Venecia con Luigi Nono y quien había orquestado el primer disco de Ayers, Joy of a Toy, en el que también tocó los teclados.

Bedford, entabló una buena amistad con Mike, ayudándole en la composición de una temprana versión del que sería Tubular Bells. Estando de gira con The Whole World, Mike entró en contacto con Centipede, una enorme orquesta de jazz dirigida por Keith Tippett. La amplia gama de instrumentos de que disponían influyó a Mike en el carácter multiinstrumentalista que más tarde daría a sus propias composiciones.

Kevin Ayers & The Whole World grabaron dos albums, Shooting At The Moon y Whatevershebringswesing, antes de disolverse en agosto de 1971. Para entonces, Mike había pasado de ser bajista a guitarrista principal de la banda, y sus magistrales solos ya le habían dado una notable reputación.

Entre 1971 y 1973 Mike continua dando forma a su proyecto, por aquellos días contaba con una grabadora de cuatro pistas que le prestó Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. Mientras aún trabajaba con Ayers, ayudaba también en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres, Rápidamente descubrió que el estudio contaba con un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, algunos de los cuales pertenecían a The Beatles con quienes habría departido en algunas oportunidades.  Mike se las arreglaba para llegar más temprano y, mientras los demás usuarios del estudio llegaban, él experimentaba con esos instrumentos e incorporaba nuevos sonidos y texturas a su proyecto. De esta forma empieza a grabar las ideas necesarias para realizar su proyecto.

Hacia finales de los 60’s  un joven disléxico de 18 años quien aunque había tenido bajos resultados por esta causa en sus estudios, inicia su primera empresa después de viajar a través del Canal de la Mancha y comprar discos piratas y saldos, que vendía en Londres, utilizando su automóvil como punto de venta o a través de outlets. En 1970 continuaba vendiendo dichos discos a través de pedidos por correo. A través de su marca comercial "Virgin" vendía los discos a un precio menor que los llamados "High Street" outlets. El nombre de "Virgin" hace referencia al hecho de que se vendían en condiciones similares a los nuevos, al contrario de otros puntos de venta cuyos discos estaban en bastante mal estado como consecuencia del uso.

Este joven llamado Richard Branson eventualmente inauguró una tienda de discos en Oxford Street en Londres y, poco después, lanzó el sello discográfico Virgin Records con Nik Powell, por aquellos días Branson había ganado suficiente dinero con su tienda de discos como para comprar un lugar donde instaló un estudio de grabación.

Cuando Mike deja la banda de Kevin Ayers definitivamente, pasa a ganarse la vida trabajando ocasionalmente como guitarrista de sesión. Uno de esos trabajos lo llevó a participar en la banda de acompañamiento de la producción londinense de Hair, así como en el "musical de amor-rock tribal" por 5 £ la noche. También tocó por un tiempo el bajo en una banda liderada por el cantante de soul Arthur Lewis. Este grupo iría a grabar a los estudio recientemente inaugurados estudios de grabación The Major construidos por aquel entonces el músico y productor Tom Newman para el joven empresario Richard Branson, asistido entre otros por Simon Heyworth. El equipo reunido en The Manor era un grupo de buenos amigos, y también estaban allí las novias de algunos de ellos, así como un cocinero, limpiadoras y jardineros. Como Mike comentó más tarde, "todos los problemas que surgían los tratábamos como si fuésemos una gran familia".

Gracias al armonioso ambiente que reinaba en el estudio y la actitud de Newman y Heyworth dieron a Mike la oportunidad de grabar una nueva maqueta basada en los mismos desarrollos instrumentales que ya manejaba desde hacía tiempo. A Heyworth y Newman les encantó y asombró el abanico de ideas de Oldfield, y emprendieron una campaña de persuasión a Branson para que editara aquello y les dejara el estudio durante algún tiempo para grabarlo. De entrada parecía que aquel no era el momento apropiado; el proyecto debía esperar un poco a la llegada de Simon Draper (que se uniría a Branson, poseedor de una cadena de tiendas de discos) para crear una discográfica propia. Draper tenía un amplio conocimiento musical, y cuando escuchó las ideas de Mike, las apoyó inmediatamente.

Casi se había agotado la paciencia de Mike Oldfield cuando Draper le ofreció una semana de tiempo de estudio en The Manor. Una amplia selección de instrumentos fue llevada al estudio, y comenzó el trabajo. Durante esa semana se grabó algo más de la primera parte del álbum, y el resto emergió durante sesiones repartidas a lo largo de los siguientes meses. Desde el principio Mike ponía las facilidades que le daba la tecnología de la época al límite para hacer sus grabaciones; muy pronto empezó a usar 16 pistas. Como se iban añadiendo a la grabación más y más instrumentos, las sesiones también fueron una prueba para la inventiva de Newman y Heyworth, que mezclaron aquello todo lo mejor que les fue posible en un período limitado de tiempo. El equipo de que disponía el estudio no estaba automatizado, y todo el trabajo fue hecho manualmente por Mike, ya que Simon Heyworth y Tom Newman ya usaban todos los dedos de que disponían en la mesa de mezclas; esto hacía menos cercana la relación entre productores y artista, pero aun así cada uno de los tres aprendió muchas cosas de sus otros dos compañeros.

Durante las sesiones, Mike tocó más de 20 instrumentos y se grabaron aproximadamente 2000 cintas de prueba.; Newman y Simon Heyworth recibieron crédito como co-productores. Cuando terminaron las sesiones, Branson se llevó las cintas de Tubular Bells a la feria de la industria musical, MIDEM, en Cannes en enero de 1973. Un ejecutivo de la compañía americana Mercury Records le dijo, "si le pones letra te lo compró por $20.000. Como nadie se mostraba interesado en respetar el concepto original, Branson y Draper decidieron editar el álbum ellos mismos en su nueva discográfica, Virgin Records. Tubular Bells es publicado el 25 de mayo de 1973. Surgió de un proceso de grabación y mezcla al que habría podido llamarse arte en estado puro.

Mike Oldfield había soñado por mucho tiempo con el momento en que se editase Tubular Bells. Cuando aquello ocurrió no pudo aguantar la presión acumulada y, emocionalmente exhausto por el proceso de grabación y sus propias inseguridades ante la fama desorbitada que estaba adquiriendo, se retiró a su nueva casa de Herefordshire. Fue allí donde comenzó a crear su nueva obra, que más tarde adoptaría el nombre de la cercana colina Hergest Ridge.

Editado en el Reino Unido en septiembre de 1974, al igual que su predecesor, Hergest Ridge era un álbum que contenía un único tema musical, dividido en dos suites por las exigencias obvias del formato LP. De nuevo casi todos los instrumentos fueron tocados por el propio Mike, para quien la composición musical era una constante obra en progreso regida por leyes lógicas o emocionales, este trabajo saltó directamente al número uno de las listas de ventas del Reino Unido, desbancando a Tubular Bells, lo que supone aún hoy en día un hecho excepcional. Virgin Records también lo promocionó en televisión, aunque el eslogan tuvo que cambiarse para este propósito. El anuncio decía originalmente que el álbum estaba disponible en "Virgin (Virgen) y otras inmaculadas tiendas de discos", y tuvo que ser modificado debido a las posibles objeciones que pudiera presentar la Iglesia católica.

Ommadawn fue el tercer álbum en solitario de Mike Oldfield. Apareció en el mercado británico en octubre de 1975, siendo criticado y alabado por igual. Como curiosidad, se puede destacar que la obra original contiene un tercer corte no especificado en la carátula, una pieza vocal compuesta por Oldfield y William Murray llamada On Horseback y es el propio Mike quien canta acompañado de un coro infantil.

El impacto de Tubular Bells continuó in crescendo en 1975. En ese año le fue concedido un Premio Grammy a la mejor composición instrumental, Entre 1976 y 1978 Oldfield, debido a los problemas psicológicos que acarreaba desde muy atrás, se recluyó en su casa de Gloucestershire. Allí inició los esfuerzos que acabarían con la publicación de Incantations. Álbum este, en el que Olfield, pretende reinventarse y contextualizarse con las nuevas tendencias musicales que se debatían entre el “punk rock” y la música “discoteque”, mucho más accesible para una juventud que reclamaba ídolos a la altura de sus propias posibilidades personales.

Incantations resulta ser entonces un trabajo un tanto fuera de tono. Era el primer álbum doble LP de Oldfield, y consistía en cuatro suites con diferentes movimientos, de nuevo partiendo de sonidos célticos y étnicos a los que se unía una atmósfera legendaria, acrecentada por largos cánticos rituales. El cambio de atmósfera planteado en Incantations, hizo que llegara a ser menos exitoso que sus predecesores. Por esta época, Mike concedió numerosas entrevistas para promover el álbum y hablar de su radical cambio de personalidad, producido principalmente por su asistencia a unos seminarios basados en la exégesis, una forma de terapia creada para mejorar la autoconfianza. En una entrevista de aquella época dijo, literalmente, "he experimentado lo que podría describir como un `renacimiento´, que me ha ayudado a profundizar en mí mismo y en la naturaleza humana. He empezado de nuevo".

Después de la terapia a la que se sometió, se sentía preparado para ir de gira con un gran grupo de músicos; ello resultó en la gira Exposed, también conocida como Tubular Shows. La primera gira internacional en la que se embarcó Mike Oldfield tuvo lugar en 1979, casi seis años después del lanzamiento de Tubular Bells. El costoso espectáculo estaba formado por una orquesta y un coro de 50 músicos; llevaban un séquito de 25 roadies y técnicos, y tres tráilers que llevaban todo el equipo. En agosto, Virgin lanzó a la venta Exposed, un doble álbum en vivo grabado durante la gira. En los años posteriores, Mike revelaría que aquella aventura supuso un desastre económico, con un millón de libras esterlinas en deudas, que cubrió en parte con el lanzamiento del disco de la gira, y las finiquitó con el acelerado lanzamiento de Platinum.

Platinum rompió con el patrón de sus cuatro primeros discos, estructurados en largos temas sin divisiones claras entre sus movimientos. La composición principal, Platinum, está partida en cuatro segmentos de los cueles en el último se incluye el tema North Star, compuesto por el hasta ese momento desconocido compositor de música clásica Phillip Glass, a los que siguen temas cortos e instrumentales, con un cierto afán experimental y lúdico. Entre ellas estuvieron Punkadiddle, una sátira que ridiculizaba al movimiento punk, y Sally, una canción para la madre de su hija pequeña Molly

En armonía con el nuevo énfasis que se le estaba dando a su obra en 1980 aparece QE2, álbum con cierto parecido a Platinum en su estructura, donde incluyó dos versiones cover publicados con anterioridad como singles,  Arrival, un tema de ABBA (extraño tema dentro de la discografía de esta banda Sueca, sobre el cual no realiza mayores arreglos) con el que Mike les rindió homenaje y Wonderful Land, una recreación de una canción de 1962 de The Shadows, cuyo líder Hank Marvin sirvió de inspiración a todos los jóvenes guitarristas de la generación de Oldfield.

Aunque sus discos más recientes no habían estado en las listas mucho tiempo, el "fenómeno Tubular Bells" continuaba. En julio de 1981, Virgin anunció la venta de los diez millones de copias.

Mike sacó su licencia de piloto en 1979, y un accidente un año después le inspiró para hacer la canción que da título al álbum Five Miles Out de 1982."Fuimos lanzados como una tortita de harina, había hielo acumulándose en las hélices y lluvia en el parabrisas, y todo el mundo gritó ¡aaargh!", dijo en una entrevista. Aquel incidente sería conmemorado con una pintura encargada especialmente por Mike a un renombrado pintor de cuadros de aviones. Al igual que Platinum y QE2, Five Miles Out combina una pista de larga duración con una serie de canciones individuales. Gran parte del álbum Five Miles Out fue grabado en el estudio instalado en la casa de Mike en Buckinghamshire. La casa fue elegida debido a la cercanía a los accesos a Londres y a un pequeño aeropuerto local en el que Mike podría volar con sus aviones. Five Miles Out se convierte en el mayor éxito comercial de Mike en el Reino Unido desde Ommadawn

Mayo de 1983 fue el décimo aniversario del lanzamiento de Tubular Bells. Mike editó su octavo álbum, Crises,  sería el primer disco hecho con Simon Phillips como coproductor. La pista más destacada fue Moonlight Shadow, cantada por Maggie Reilly, que fue entendida por todos como un tributo al por aquel entonces recientemente fallecido John Lennon, y que se convirtió en el single de más éxito de Mike desde que se editara Portsmouth siete años antes.

En 1984 publica 2 nuevos álbumes  la banda sonora  para la película The Killing Fields, (Los Gritos del Silencio) de Roland Joffé, una muy alabada película que trataba sobre la guerra civil camboyana. Gran parte del trabajo está basado en la música étnica de Camboya. El tema principal, Etude, era una adaptación de un tema de Francisco Tárrega (Recuerdos de la Alhambra), el cual se constituye en el primer gran trabajo desde Ommadawn, demostrando sus grandes cualidades como compositor, el trabajo cuenta con la participación de La Orquesta de Opera del Estado de Baviera y el Coro de los Niños de Tolzert, así mismo publica el álbum  Discovery primero que Mike grababa fuera de Inglaterra, en una casa a 2.000 m sobre una montaña en los Alpes suizos, desde la que se divisaba el lago Ginebra retomando el esquema planteado en los anteriores trabajos  fundamentado en una nueva selección de canciones nuevamente de corte vocal y un tema instrumental titulado The Lake. Entre las canciones del disco destaca To France, inspirada en la vida de María Estuardo, reina de Escocia.

En 1986, Mike se concentró en la creación de un vídeo álbum que se editaría más tarde, en octubre de 1988, y que se llamaría Wind Chimes.El álbum que acompañaría a Wind Chimes sería Islands, que se editó en septiembre de 1987. La pieza instrumental de dos partes Wind Chimes estaba inspirada en música que Mike había oído en una visita a Bali, este trabajo se desarrolla bajo el esquema que ya es una constante, un tema extenso que en los LP corresponde a una de sus caras y varios temas cortos vocales para hacer más comercial el trabajo  

En 1989, Mike creó una versión de siete minutos de Tubular Bells para el Show de Nick Campbell en la BBC Radio One. Lo que le hizo retomar la idea de crear una continuación de su primer gran disco, volviendo a trabajar sus temas, pero esta vez con la tecnología de 1990. Antes de que eso ocurriera, trabaja en tres discos más. El primero fue Earth Moving, en 1989 el cual se compone  de nueve temas vocales, para lo cual invita diferentes y reconocidas voces del rock, siendo este un álbum netamente comercial dentro de la discografía de Oldfield, aunque cada uno de los temas cuenta con un carácter particular derivado del músico invitado. El segundo es Amarok (1990), sobre el cual dicen que fue concebido como una venganza de Mike contra Virgin, quienes se rehusaban a publicarle un disco sinfónico salvo que fuese llamado Tubular Bells II. Mike se desquitó así, y además escondió a lo largo de la larga pista musical toda una serie de claves en morse donde hablaba de Virgin, así como espontáneos altibajos en el sonido, con la única intención, según sus propias palabras "para fastidiar a los ricos directivos de las discográficas que van en su ferrari". Éste fue un retorno al formato de grandes temas. Al igual que Tubular Bells, Hergest Ridge y Ommadawn, con la diferencia que este se compone de un gran tema sin cortes siendo melódicamente la antítesis de estos trabajos. De alguna forma, éste fue el último trabajo de Mike que guardaba ciertas similitudes con Tubular Bells, Amarok es una única pieza de música que mezclaba estilos de folk inglés, flamenco y música africana, y que une la última tecnología musical y de estudio con la tecnología clásica de Oldfield. Con 60 minutos de duración sin interrupción alguna, Amarok es uno de los temas musicales más largos jamás publicados en un álbum. Es interesante contrastar el sonido producido por los adelantos tecnológicos de 1990 con los que se utilizaban cuando se creó Tubular Bells en los, por aquel entonces, recién creados estudios The Manor. Pero en ambos casos, Oldfield mostró su dominio de todos los últimos avances y su habilidad para incorporarlos al proceso creativo. Amarok es considerado por muchos de sus fans como su mejor disco junto con Ommadawn, aunque por desgracia también es uno de los menos conocidos por el gran público, y finalmente Heaven's Open (1991), retomando la estructura que se convirtió en un común denominador de Oldfield: una composición larga y algunas cortas. Todas las canciones fueron cantadas por el propio Mike (o "Michael Oldfield", nombre que usó para firmar el disco), sin invitar a ningún otro vocalista. El tema largo de 20 minutos titulado Music From The Balcony una verdadera obra maestra de lo experimental, lo sinfónico y lo instrumental en general. Se trata de un compendio de melodías y ritmos completamente variados en constante cambio y repetición, muy distinto de "Amarok". Los días de Mike Oldfield con Virgin habían llegado a su fin, tenía el Cielo Abierto.

En 1992 pública Tubular Bells II, desde hacía tiempo, Mike ya había dicho a los medios de comunicación que pensaba hacer una reedición de Tubular Bells con cosas que en el primer disco de la saga tubular se le habían quedado en el tintero, Tubular Bells II en esencia guarda mucha similitud con Tubular Bells. De hecho, si lo escuchamos podremos notar como hay partes que son totalmente análogas entre los dos discos. Es decir, hay una secuencia de piano que introduce la primera parte, igual que en el original; también encontramos un reflejo del fragmento del Hombre de Piltdown, o cavernícola, que podemos oír en Tubular Bells. Además, es muy parecida la secuencia del final de la primera parte en la que un maestro de ceremonias va introduciendo los diferentes instrumentos que aparecen tras ser mencionados. No obstante, este álbum no es idéntico a su predecesor pese a que tiene la misma estructura, pues mientras que los pasajes de Tubular Bells suelen ser oscuros y melancólicos, los de Tubular Bells II tienden a ser más alegres y dinámicos.

A finales de 1994 Mike volvió a sorprender con algo que sería un verdadero desafío para ciertas sensibilidades. Se presentaba un disco casi totalmente hecho con sintetizadores, loops y cajas de ritmos; es decir, música electrónica, el disco llevaba por título Songs Of Distant Earth, y es una sinfonía electrónica evocada por la lectura del libro homónimo de Arthur C. Clarke, dicho libro comienza con el fin del Sistema Solar y trata sobre cómo el ser humano y animal busca un nuevo sitio en el universo donde implantarse como civilización. Aunque el disco está dividido en 17 pistas, los últimos acordes de cada corte enlazan con el siguiente, creando así una auténtica epopeya musical. Destacan, del primer corte, las palabras pronunciadas por el astronauta William Anders a bordo del Apolo 8 extraídas del Génesis, en referencia a la creación del Universo citada en la Biblia.

En 1996, sale a la luz Voyager, un disco con el propósito de acercarse de alguna manera, nuevamente a la música celta. La última pista es la única composición de más de 10 minutos, y se trata de un tema orquestal. En el disco hay varias versiones de temas tradicionales como The woman of Ireland y contiene una versión de "O son do ar" ("The song of the Sun") de Luar na Lubre, este trabajo marca el cambio de dirección en la música de Mike, acercándose desatinadamente al New Edge (trabajo este que le permite ser nominado en 1998 para los premios Grammy en este estilo), y se constituye en el inicio a una desabrida discografía de este músico.

Para 1998 publica Tubular Bells III. Si bien los dos anteriores Tubular Bells tenían la estructura de una sinfonía dividida en dos partes; en Tubular Bells III, entre la primera y segunda parte, se incluyó la canción "Man in the rain". Con este disco Mike volvió a demostrar que aún no había salido del bache musical que tuvo en Voyager, aunque contiene que pueden rescatarse. Con este disco Mike pretendería plasmar de alguna forma las frustraciones que sufrió durante su estancia en Ibiza,

En el año 1999, Mike publica el álbum que se llama Guitars, y ya el título da una buena pista de lo que es: absolutamente todos los "instrumentos" que se escuchan están interpretados por guitarras. Donde todos los instrumentos tienen origen en la pulsación de las cuerdas de las guitarras ya sean percusiones, instrumentos de viento, sintetizadores, etc. aunque “Guitars” no tuvo la trascendencia esperada, si es un destacable trabajo de Mike, donde retoma un estilo más propio de guitarrista virtuoso.

Ya en tiempos de la promoción de su álbum Guitars, Mike reconoció en algunas entrevistas que estaba envuelto en la composición de un álbum que sería un homenaje a los 2000 años de historia transcurridos desde el nacimiento de Cristo. Y a finales de 1999 sacó al mercado el disco The Millennium Bell, desde el solo titulo del albun se auguraban malos presagios, ya que el mismo se presenta como una versión más de la desgastada imagen de Tubular Bells. El disco se presenta como una intención comercial de querer abarcar todos los públicos, da un repaso a muchos estilos musicales con los que parece querer demostrar que, aparte de dominar muchísimos instrumentos, también podría dominar muchos estilos, sin embargo el resultado es una mala amalgama de estilos deficientemente interpretados.

Le sigue a este desastroso lanzamiento, la publicación en el 2002 del álbum Tr3s Lunas mismo que viene acompañado de un insulso juego para computador llamado  Music VR. (emulando lo realizado por YES). En este caso el disco se desarrolla bajo un esquema musical similar al "chill-out", pese al continuo rechazo de Mike hacia dicho calificativo, quien llego a decir: "si quisiera hacer música relajante, dejaría el disco vacío", el resultado final se asemeja a una mala música para consultorio odontológico

En mayo de 2005 Mike Oldfield anunciaba que estaba en mitad de la grabación de un nuevo disco que llevaría por título 'Quicksilver', el cual finalmente es publicado con el  título de 'Light+Shade'. Son dos discos, en los cuales Mike trata de abarcar nuevamente un público más amplio con la incorporación de estilos de dudosos pelambre, el primero, el denominado 'Light' consta de canciones tipo 'Tr3s Lunas' es decir, relajantes con sonidos pseudo chill out y  el segundo, denominado 'Shade' con canciones algo más marcadas, cercanas al dance.

 A continuación en el 2008, publica su proyecto Music of the Spheres. Obra de corte clásico, en la que Oldfield toca guitarra española y acústica, El álbum, al igual que otros trabajos puramente instrumentales como Tubular Bells, Hergest Ridge u Ommadawn, está formado por dos partes de más de 20 minutos de duración cada una. Está compuesto para orquesta sinfónica, y cuenta con secciones interpretadas por coro, soprano y guitarra clásica que interpreta el propio Mike Oldfield. En general podría decirse que la obra pertenece al romanticismo musical, muy en la línea de trabajos anteriores como Hergest Ridge o Incantations. En la obra abundan los clásicos sonidos oldfianos: melodías minimalistas, cambios de texturas armónicas y tono melódico. Es una obra armoniosa y muy agradable al oído, con un tono ancestral muy apreciable. Pese a todo, no logra incorporar grandes dosis de originalidad ya que el escucha puede identificar fácilmente semejanzas especialmente con Tubular Bells, donde el cambio del tempo no logra despistar. El trabajo finalmente resulta frio, nada emotivo pese a que se presenta como una obra para orquesta, coro y solistas

En el 20141 publica el álbum “Man On The Rocks”, trabajo este de once temas centrado en el estilo que le redituó dividendos con anterioridad, tal y como lo fue “Moonlight Shadow”, son una amalgama de temas de estructura similar con carácter vocal, compuestos para pequeña banda de rock, que se desarrollan sin sobresaltos, los cuales podrían resumirse en ½ tema, los mismos no aportan nada nuevo en la discografía de este músico, ni si quiera en la versión instrumental que trae el segundo CD.

OMMADAWN

Tristemente, la obra de Mike Oldfield se encuentra eclipsada por su primer álbum Tubular Bells, si bien es cierto, este trabajo se constituye en uno de los pilares del rock, el mismo no permitió al público y al músico superar el efecto que este produjo, traduciéndose no sin justificación en referente de su obra, impidiéndole al público escuchar separadamente otras obras compuestas por este, y haciendo que el músico escuchara cantos de sirenas por parte de las casas discográficas y de sus fans, llevándolo a publicar segundas, terceras y cuartas partes del mismo con desmejorado acento.

Ommadawn se constituye a gusto de quien escribe las presentes líneas en el mejor álbum en la carrera de este músico, ya que presenta un inmejorable manejo de la melodía y el contraste, una verdadera sinfonía del rock, bellamente compuesta e interpretada.

"Ommadawn" fue lanzado en 1975 y es el último álbum de la trilogía inicial se inicia con Tubular Bells y le es seguida por Hergest Ridge. El enorme éxito comercial de 'Tubular Bells' había empujado al solitario Oldfield directamente hacia el centro de atención y esto se le produce una gran angustia. Tratar con sus propios sentimientos de inseguridad al lado de su nueva fama, le debe haber sido particularmente difícil y en respuesta, su segundo álbum 'Hergest Ridge', era un trabajo más refinado y espacioso. Escrito en existencia solitaria en al lado del tranquilo cerro de Hergest Ridge en la frontera de Hereford y Gales, el álbum refleja su entorno con un mayor sentido de sofisticación compositiva. La visión crítica le fue inicialmente hostil llevándole a decir que este trabajo consistía en piezas desechadas de su primer álbum, ya que la generalidad esperaba una repetición de la novedad que Tubular Bells había traído. Este sentimiento de rechazo al álbum hundió a Oldfield en sentimientos encontrados y una gran frustración.

Inicialmente la composición de "Ommadawn" se presenta como una respuesta directa a la crítica adversa a Hergest Ridge, aunque más tarde, Oldfield comentaría cómo la música se convirtió en un medio para expulsar su dolor y frustración, llevándole a un proceso obsesivo en la composición de este álbum. Es particularmente claro entonces hasta dónde cayó Oldfield, y lo que tuvo que pasar para poder expresarse,  esto lo llevó a algunas de las zonas más oscuras de su mente, “Como una de esas noches en las que una intoxicación alimentaria te mantiene  despierto toda la noche sintiéndote enfermo ... Yo estaba profundizando en las partes más miserables de mi propio cerebro ...”

Este sentimiento de frustración en su vida personal y en la vida musical, dio lugar a una de la música más sincera e intensa que jamás haya escrito. El solo de guitarra al final de la primera cara había sido particularmente traumático para grabar y fue la última reflexión sobre una infancia difícil. Mike Oldfield ya estaba buscando la forma de hacer frente a sus problemas, incluyendo la terapia de exegesis controversial. Al hablar de su nacimiento, Oldfield explica cómo se sentía después de grabar el solo de guitarra y lo que representaba. "Me dio un miedo de muerte cuando lo hice. Cuando hice esa guitarra eléctrica, me pareció realmente aterrador. No pude dormir “

"Me di cuenta de que lo que se había jodido en mi estaba renaciendo. Algunas personas están jodidas cuando nacen. Así que decidí que yo estaba a punto de renacer. Era la única respuesta. Tuve que volver a crear las circunstancias de mi nacimiento”

“El final de la primera parte de Ommadawn es el sonido de mi explosión en la vagina de mi madre”

Lo más destacable de este disco es la forma en que la intensidad de los sentimientos nunca superan la calidad de la música. Se puede apreciar el estado de ánimo del compositor en todo el álbum, pero esto nunca resta valor en la atención al detalle y muestra una gran cantidad de restricción contraria a cómo Oldfield estaba sintiendo en ese momento. El equilibrio entre la emoción y el control se maneja siempre con una gran cantidad de atención. Es sólo al final de la primera parte en la que él permite que su música se levante y llegue a los picos máximos de intensidad y esta el solo de guitarra eléctrica  que contiene pasajes de poder e intensidad increíble.

"Ommadawn" fue grabado en una máquina de cinta de 24 pistas y aunque en ese momento se consideró bastante amplia, los múltiplos sobre múltiplos de instrumentos y overdubs requeridos pronto causó grandes problemas con el equipo. Curiosamente, si no hubiera sido por la desintegración de la cinta de la grabadora multipista entonces la versión de "Ommadawn" conocida hoy pudo haber sido muy diferente. Mike Oldfield mantenía un modelo gráfico con crayolas del progreso de la grabación, pero con el tiempo, se convirtió accidentalmente en un segmento para borrado, debido a la oxidación de los colores en su modelo de apoyo,  dejando esto prácticamente inútil la cinta, esto le permitió perfeccionar aún más sus ideas musicales cuando reinicio la grabación del álbum conduciéndole a un rendimiento muy superior.

La mayoría del álbum tuvo que ser completamente renovado, para ayudar a resolver las dificultades técnicas  fue llamado el ingeniero Philip Newell, la  inestabilidad en el equipo de grabación y el uso de instrumentos inusuales y viejos ha dado lugar a un sentido claro de la tonalidad durante la obertura. Aunque no está del todo claro cuál fue la causa de esta anomalía, es lógico suponer que el equipo de grabación jugó un papel importante en ello.

El éxito de "Ommadawn" como una pieza de música sin duda se puede atribuir a la sutileza y la variedad de su instrumentación. La textura que se emplea estructuralmente para enfatizar ciertas emociones y ayuda a acentuar las características dentro de la música. Mientras que los efectos de determinadas orquestaciones permiten al oyente una mayor comprensión del estado de ánimo de la música, nunca es cliché o predecible sino una sutil mezcla de pensamiento musical y la construcción musical. Por ejemplo, en pasajes musicales más brillantes, la textura a menudo se vuelve menos densa para permitir una sensación de claridad. Del mismo modo, los pasajes de tensión a menudo se caracterizan por el uso de instrumentos de bajo del registro, como el bajo y la percusión para crear un impulso conductivo. Uno siente que los instrumentos utilizados pertenecen instintivamente a la música y no se han agregado como un mero efecto o la novedad. Es justo decir que con una línea instrumental de tal alcance y la diversidad de que se trata la música es de proporciones orquestales. El efecto la musical en general es rica, variada y caleidoscópica en el sonido.

Resulta evidente la gran cantidad de instrumentos de cuerda utilizados en el álbum que provienen de diferentes culturas musicales,  como el bouzouki y los Appalachian Dulcimer. El interés de Oldfield en la música griega y los lazos de su madre a la música irlandesa reflejan en su elección de los instrumentos de la tradición popular.

A lo largo de "Ommadawn" escuchamos el arpa celta, que añade una sutil delicadeza a la música. Además de las guitarras acústicas y eléctricas tradicionales, encontramos extensiones de éstos con la guitarra clásica, banjo y bajo acústico.

Instrumentos electrónicos se mantienen al mínimo con el piano y clavecín dejando la mayor parte de la actividad del teclado. La percusión se utiliza a menudo para resaltar pasajes de la creciente intensidad y energía y, a menudo la complementa el bajo. No vemos ningún kit de batería como se esperaría de un artista de rock y en su lugar de encontramos ya sea música del mundo o la percusión orquestal. Zampoñas y grabadoras se utilizan efectivamente en pasajes donde la música se vuelve más brillante y la ligereza de su timbre enfatiza esta calidad. Junto a esto vemos un lugar solitario sorprendente reservado para gaitas Northumbria en la segunda parte.

Las voces se utilizan de manera particularmente efectiva por sus cualidades coloristas y se emplean a menudo a manera de texturas corales como. No se presentan palabras aquí, siendo generalmente, el más puro estilo para cantar que uno puede encontrar en la música folclórica y básicamente es crucial para permitir que las voces se mezclen con el resto del conjunto. Ciertamente, uno encuentra que la textura y la instrumentación siempre está cambiando, siempre en desarrollo así como los cambios de música y tiene sentido que a través de las variaciones de movimiento rápido la orquestación cambie igualmente rápido. Los pasajes más largos se construyen gradualmente a través de un proceso aditivo de capas de instrumentos que da el efecto de un todo.

Hay una gran propósito de atención a lo largo de los matices y el timbre de diferentes combinaciones instrumentales y esto sin duda se hace a mano, con cuidado y sensibilidad a la estructura musical. Esto es evidente en el acompañamiento de la primera parte, donde los registros toman el material principal melódico apoyado por el piano o en la forma o en la medida en que el bajo y la percusión interactúan para crear una base sólida. Incluso en las secciones más completas, hay un claro sentido de la responsabilidad de cada línea individual melódica, armónica o decorativa. Para mantener el interés sobre una duración de treinta minutos ciertamente no es fácil, pero esto se logra mediante la constante la variación de color y la textura a lo largo de la pieza.

Fuentes:

wikipedia

tubular.net