Musica de hoy, el Rock Progresivo y el Rock En Latinoamerica

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DE LA MÚSICA:

“La música no se desarrolla en un coto cerrado o en un espacio interplanetario; como las demás artes, evoluciona en una relación estrecha y constante con la vida económica, política y religiosa; es siempre la música de un medio ambiente, de una época; su historia forma parte de la historia general de la humanidad. Sin embargo, tal como ocurre con las artes plásticas, la poesía y todas las formas de actividad cultural – ya se trate de ciencia, instituciones políticas, jurídicas u otras -, la música, aún estando condicionada por lo que la rodea, posee una cierta autonomía; no obstante si  bien “refleja” y “expresa” este mundo al cual pertenece no por ello deja de obedecer a una lógica propia, inmanente. En otros términos, su desarrollo en cada una de sus etapas depende de factores externos (de orden social, intelectual o psicológico) e internos específicamente musicales. La libertad del músico está limitada, pues, por su situación histórica, y sus iniciativas se despliegan bajo la presión siempre variable de fuerzas múltiples que se conjugan o se oponen. Además, no puede olvidarse la importancia del azar, de las contingencias. Sin lugar a dudas, la sordera de Beethoven, la muerte de Mozart a los treinta y seis años o la de Schubert a los treinta y uno, han marcado el destino de la música. A lo largo de los siglos se ha encontrado muchas veces en encrucijadas y, a menudo, quizá ha faltado muy poco para que tomara una dirección  muy distinta de la que finalmente ha seguido, la que, a nuestro parecer, por fuerza debía seguir.” Boris de Schloezer: Problemas de la música moderna.

DEL PROGRESIVO:

Mediante esta categorización (Rock Progresivo) se ha pretendido encajonar a un muy amplio género musical, compuesto de un buen número de subgéneros de música experimental ejecutada, en gran medida, con instrumentos inicialmente asociados al Rock puro, pero con el transcurso de su evolución y la tecnología, agregando instrumentos, electro acústicos étnicos, exóticos o convencionales.

Sus orígenes van más allá de la aparición del rock, aunque si bien es cierto, este le sirve de apalancamiento para filtrarse en la cultura popular y enriquecerse de esta, El rock progresivo o Art Rock (del inglés progressive rock, prog rock o prog) tiende a enmarcársele como un subgénero del rock, toda vez que le resultan coincidentes las posturas críticas y de medio que caracterizan al rock, toma forma al final de la década de los sesenta y se estructura a partir de la primera mitad de la década siguiente. El adjetivo progresivo alude tanto al carácter innovador como de elaboración compositiva que caracteriza desde su inicio a este género en cuanto a que lejos de apegarse a mantener un pulso invariable, una estructura predecible, tiene progreso, esto traduce un gesto de avance por sobre las limitaciones estilísticas, suponiendo principalmente la creación de lenguajes musicales y líricos únicos, sin precedentes en la música popular, además el hecho de ser progresivo se refiere a que en su forma favorece el progreso musical, que va hacia delante, como un cambio gradual de la música tendiendo a mejorar durante la obra. Este progreso se puede dar en un corte, una canción, o en todo un álbum, esto es, la importancia que concede a la progresión armónica. En sus orígenes, una de sus características era el paso gradual, de una sonoridad bucólica (acústica, medievalizante, folk, modal, de tiempo lento) a otra urbana, con tintes impresionistas (eléctrica, tensa, acelerada, con influencia del blues y del jazz). Cabe destacar que la formación académica que es común encontrar en los músicos progresivos no solamente les permite abordajes cualitativamente más complejos mediante el empleo de estructuras formales y de una elaborada sintaxis armónica, sino que a su vez a través de este medio explorar alternativas compositivas derivadas de la crisis en la ortodoxia, explorando aspectos tímbricos y las variaciones de tonalidad. Estos elementos, además de los usuales ritmos sincopados o yuxtapuestos (polirritmos), otorgan a la música su peculiar naturaleza contrastante e imprevisible, derivando en una forma que va más allá de la estructura de canción basada en estrofa y estribillo característica del rock básico o del comercial.

DEL PENSAMIENTO DEL SIGLO XX

No es fácil analizar los elementos fundamentales de la Filosofía del siglo XX, ya que ha pasado poco tiempo, y por lo tanto, no la podemos analizar desde una perspectiva histórica. Este es un intento de análisis breve de los elementos fundamentales del pensamiento del siglo XX.

·        Claves del pensamiento del siglo XX

La Filosofía del siglo XX viene marcada en primer lugar por la Filosofía de la Ciencia con autores como Ludwig Wittgenstein (1889-1951) o Karl R. Popper (1902-1994); el marxismo, tras el éxito de la Revolución Rusa de 1917, así como por el Existencialismo, de los cuales, las máximas figuras serán Jean-Paul Sartre (1905-1980) y Martin Heidegger (1889-1976). La base fundamental de la reflexión filosófica del Existencialismo sería la figura humana, su existencia y el sentido de ésta, si es que tiene.

·        La política y la ética

El pensamiento político y ético, tras un período de inspiración claramente marxista, estaría centrado en el análisis de la Democracia Liberal como sistema político, y los diferentes intentos de justificación filosófica . Así, dentro del terreno kantiano encontraríamos el pensamiento de John Rawls (1921-2002), como también encontraríamos elementos críticos con la sociedad occidental como Noam Chomsky (1928 -), quien también destaca como lingüista de la escuela neokantiana, y más recientemente el pensamiento de Jürgen Habermas (1929 - ) dentro de la llamada Escuela de Frankfurt.

·        El postmodernismo

Pero el pensamiento filosófico más propio de finales del siglo XX sería, entre otros, el Post-Modernismo: una corriente filosófica que afirma la no existencia de Valores Universales, proponiendo una serie de posiciones subjetivas y relativistas, iniciándose lo que se ha llamado Pensamiento Débil, siendo Jean-François Lyotard (1929-1998) uno de sus máximos exponentes. Así, uno de los problemas planteados recientemente sería el problema del universalismo o particularismo: ¿Existen valores universales que pueden ser aceptados por todas las culturas, o por el contrario, hay una serie de valores propios de cada cultura? Esta duda es, en definitiva, si podemos exportar los valores de la Democracia Liberal a culturas que no son la nuestra.

·        Filosofía de la Ciencia

En cuanto a Filosofía de la Ciencia, tras el intento del Círculo de Viena de proponer una ciencia inductivista, son Karl R. Popper, Imre Lakatos (1922-1974) y Thomas S. Kuhn (1922-1996) los máximos exponentes de una ciencia, nada dogmática, que afirma la existencia de formas de ver la realidad muy particulares (paradigmas, modelos, etc.) que determinan totalmente nuestra forma de entender el Universo Físico, sin llegar nunca a la verdad, tal y como se pretendía en otras épocas.

·        Historia de la Filosofía

Finalmente, deberíamos hacer referencia a una disciplina filosófica no basada en la reflexión en sí, sino basada en las reflexiones de otros. Sería la Historia del Pensamiento, totalmente necesaria para poder reflexionar a conciencia, teniendo presente los errores y los aciertos de la Filosofía del Pasado.

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DE LA MÚSICA:

Las diferentes transformaciones y/o tendencias del pensamiento, han llevado a establecer trincheras desde las cuales se defienden posturas intelectuales, el arte en general y la concepción del mismo no ha sido ajeno a estas disputas dejando abierto un espectro de interpretaciones que varían según la cultura, la época, el movimiento, o la sociedad para la cual el término tiene un determinado sentido.

Aunque la música como disciplina dentro de las artes posee su propio lenguaje mantiene características que le son comunes a la totalidad de las artes, esto es, una finalidad estética o comunicativa, a través del cual se expresan ideas, emociones, mediante recursos que le son propios o apropiados, siendo un componente de la cultura, transmitiendo ideas y valores, inherentes a cualquier ámbito humano a lo largo del espacio y el tiempo.

Luego de las dos Guerras Mundiales, gran parte de la sociedad que se vio involucrada directa o indirectamente en este conflicto, cayó en un clima de angustia ante la idea del fin de diferentes valores sobre los que había fundamentado su estabilidad. Se acentúan en consecuencia los cuestionamientos sobre el futuro y la viabilidad de la humanidad, llevando a una reformulación de la percepción sobre la realidad que se basa en el trastorno total de los valores vigentes y una ruptura de todos los valores morales y filosóficos; el objetivo que surge entonces es una revolución cultural, no se trata entonces de cuestiones económicas, sino de cuestiones ideológico-culturales Una revolución contra todo el pensamiento y la cultura pasada. Con base en esta nueva cosmovisión surgen  ideas que rompen con todas las leyes, normas, estilos, del pasado y busca un cambio total en todos los ámbitos; los autores ya no pueden crear obras que se pareciesen a las anteriormente realizadas, por ello, se generaron estas corrientes que hicieron una ruptura estilística, utilizando nuevas tecnologías y realizando obras nunca antes pensadas. Las corrientes varían según los países de origen de cada una, pero, la necesidad de cambiar el arte era la misma y en todas estas corrientes se reflejan las ideas de Freud, Nietzsche, Einstein y su nueva “concepción del mundo”; buscando una revolución artística. Sus pensamientos reflejaban las nuevas ideas “sospechosas” que surgían. Se caracterizo al libido o instinto sexual como el motor básico de la conducta humana. La opinión popular dedujo de este pensamiento una liberación sexual. Muchos artistas adoptaron una actitud destructiva, no buscan crear nada nuevo, sino que su objetivo es quitar del camino lo que estorba o se opone a sus pensamientos y romper con todo lo heredado

DEL PROGRESIVO:

Hoy en día casi todo en el mundo material es generado para fines comerciales y el éxito comercial requiere demanda y clientes. Por otro lado, la mayoría de gente busca cosas "fáciles", superficiales, de rápido efecto. La vida en sí misma se ha transformado en un "video clip", todo rápido, descartable. Comida rápida, sexo rápido, dinero fácil, éxito instantáneo, entretenimiento rápido, automóviles rápidos, etc. En este contexto, el rock progresivo no se puede desarrollar fácilmente, ya que es un tipo de arte con un nivel relativamente elevado de complejidad, que requiere atención y concentración para ser comprendido, "digerido" y apreciado. El buen rock progresivo requiere en cierta forma ser "descifrado" por quien lo escucha, para encontrar un "mensaje codificado" para la mente y el corazón, un mensaje con un impacto emocional a veces instantáneo, pero que , al ser analizado con atención una y otra vez, continuamente se despliega, mostrando capas y más capas interiores de colores, sonidos y significados. Por esto es que el rock progresivo de calidad es para siempre, eterno y jamás se "desactualiza". Gran parte de la sociedad actual no parece interesada o simplemente no puede tomarse el tiempo y el trabajo necesario para entender algo en profundidad. Pareciera buscar solamente productos "listos para consumir". 

GENERACIÓN BEAT:

El término Beat Generation sirvió para designar un movimiento literario formado por un grupo de amigos norteamericanos que desde los años 40 del siglo pasado colaboraron en los textos de poesía y prosa que los otros hacían y que compartían el gusto por la vida bohemia y algunas aficiones como la música de jazz. El núcleo inicial estaba formado por Jack Kerouac, William Burroughs, Neal Cassady, Allen Ginsberg, Herbert Huncke y John Clellon Holmes. En 1948 se unieron Salomon y Lamantia, en 1950 Gregory Corso y en 1954 Ferlinghetti y Orlovsky. Holmes fue quien popularizó el término en 1952, al publicar en New York Times Magazine un artículo titulado "This is the Beat Generation". La vitalidad del grupo influyó en los movimientos juveniles de la época, y el libro de Kerouac On the Road ("en el camino") se convirtió en el manifiesto de toda una generación que quería vivir al margen del sistema. Los beatniks rechazaban el puritanismo dominante y propugnaban la liberación espiritual y sexual, la experimentación con drogas psicodélicas como forma de conocimiento y una gran influencia de otras culturas, sobre todo orientales.

El nombre de Generación Beat es controvertido desde su nacimiento, pues no se pretendía que existiera una denominación genérica. Sin embargo, desde los medios de comunicación se acabó bautizando así al movimiento literario y, más adelante, se utilizaría Beatnick como término despectivo para sus integrantes.

De entre todos los autores Beat, habría que destacar a Allen Ginsberg, Jack Kerouac y William S. Burroughs. La inclusión de Charles Bukowsky en la generación Beat no está demasiado clara, pese a las muchas similitudes de estilo y actitud.

La obra clave en el movimiento Beat es En el camino, de Kerouac, aunque también el poemario Aullido, de Ginsberg, y El almuerzo desnudo, de Burroughs, han sido determinantes dentro de la obra común de esta generación.

Su actitud contracultural y de experimentación en el uso de drogas acabó por ser adoptada a principios de los años sesenta y se considera a los beatnicks como precursores de lo que acabaría convirtiéndose en el movimiento hippie. No es de extrañar el vínculo existente en la ciudad de San Francisco, donde prácticamente todos los autores Beat se mudaron a mediados de los 50.

La influencia Beat se dejó ver años después en la libertad sexual, la lucha contra la censura, la evolución del música pop y el rock, un aumento de la espiritualidad oriental y una actitud pacifista de la sociedad..

Se conoce como Beat Generation a un movimiento literario formado por un grupo de amigos que desde mediados de los años cuarenta habían trabajado juntos escribiendo poesía y prosa, y que compartían una idea de cultura y aficiones o fuentes de inspiración similares, tales como el jazz.

El grupo inicial estaba formado por Jack Kerouac, Neal Cassady, William Burroughs, Herbert Huncke, John Clellon Holmes, y Allen Ginsberg. En 1948 se unieron Carl Salomon y Philip Lamantia, en 1950 Gregory Corso y en 1954 Lawrence Ferlinghetti y Peter Orlovsky.

La palabra beat entre la comunidad afroamericana tenía el significado previo de cansado, o abatido, "beat down".

La propuesta de su uso para denominar esta comunidad de amigos y escritores surge durante una conversación entre Jack Kerouac y John Clellon Holmes en 1948, en la que Kerouac recuerda haber oído la expresión de Herbert Huncke, un conocido personaje de la época de vida marginal. La intención de sus miembros no era la de nombrarla, sino la de "desnombrarla". A la difusión del término también contribuyó que a finales de 1952 apareciera en el New York Times Magazine un artículo de John Clellon Holmes titulado "This is the Beat Generation".

Pero el término comenzó a utilizarse de tal manera, que en 1959 Kerouac consideró necesario sugerir otro sentido a la palabra beat, indicando sus relaciones con "beatitud" ("upbeat") y "beatífico". Según el autor, el movimiento estaba atraído por la naturaleza de la conciencia orientada a la comprensión del pensamiento oriental, prácticas de meditación, etc.

Como reacción y con la intención de parodiar y desprestigiar el movimiento beat, en 1958 apareció el término "beatnik", producto de la fusión de las palabras "beat" y "Sputnik", sugiriendo una condición antiestadounidense y comunista del movimiento beat.

Allen Ginsberg, uno de sus integrantes más famosos, observaba en el prólogo al libro The Beat Book, editado por Anne Waldman y Andrew Schelling, otro posible significado: "acabado", "completo", en la noche oscura del alma o en la nube del no saber. E incluso "abierto", en el sentido whitmaniano de "apertura a la humildad".

Entre la generación beat podemos encontrar también la presencia de las mujeres, muchas de ellas fueron tratadas con gran dureza por la sociedad americana de esa época; el discurso transgresor del movimiento contrastaba con la época conservadora en E.U. haciéndose más evidente y marcado en la mujer. Si Poetas Beat como Allen Ginsberg eran tratados con rudeza por las autoridades, más señalado y represivo sucedió con las mujeres. Cuenta Gregory Corso que la represión social llegó al extremo que algunas de ellas fueron internadas en hospitales psiquiátricos por sus familiares y tratadas con electrochoques. Hubo también muertes trágicas como la de Elise Cowen que se suicidó arrojándose de la ventana de su departamento o Joan Vollmer Adams asesinada de un balazo por su esposo William Burroughs

Las mujeres beat, vivían en la intensidad situacional del movimiento, esta poesía muestra una postura descarada y libertaria ante las formas moralistas de la época, su trabajo poético muchas veces exalta la libertad sexual y sus adicciones a los excesos, provocando el escándalo.

Entre las poetisas beat más importantes se encuentran Diane di Prima, Diane Wakoski, Leonore Kandel, Marge Piercy, Denise Levertov, y Elise Cowen.

 

Su estética fue absorbida por la cultura de masas y por la clase media hacia finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. En el camino, por ejemplo, se convirtió en una obra de culto de la juventud.

Su canto a la liberación espiritual derivó hacia una liberación sexual que hizo de catalizador en los movimientos de liberación de la mujer y de los negros, el ascenso de la contracultura hippie e indirectamente a la liberación de los homosexuales.

También influyó a un gran número de personajes de la cultura americana, en especial a músicos como Bob Dylan, Tom Waits, Tuli Kupferberg, Jim Morrison, Arthur Lee, Janis Joplin y Patti Smith.

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DE LA MÚSICA:

La crisis en la ortodoxia musical, derivada de las posturas de Stravinsky, Satie, Bartok, Schoenberg y Heidemit, evitando las cadencias, manteniendo cierto equivoco tonal, multiplicando los ritmos y haciendo que se superpongan rompen definitivamente con el tradicional concepto tonal impuesto por los madrigalistas italianos desde el siglo XVI, creando un arte inédito de los sonidos, tan alejado del romanticismo como del impresionismo: música dura que quiere pintar las realidades y evocar las abstracciones; música primitiva que toma toda su sustancia de ritmos deformados y efectos de timbre, música caótica donde se entrechocan las tonalidades y los modos más opuestos, pero regida por una voluntad dominadora y donde la melodía encuentra a veces lugar aunque no siempre se le permita modular; música violenta que exige de los compositores una técnica orquestal muy avanzada; música “dinámica” o música de “laboratorio”, hecha de contrastes, de impresiones fuertes y a menudo de dibujos abstractos o puramente intelectuales. Esta música nació en el momento mismo en que el artista se esforzaba en trasponer al dominio de los sonidos los ruidos de la vida moderna, de convertirse en el cantor de la máquina o en traductor de los ritmos trepidantes.

DEL PROGRESIVO:

Fuentes del rock progresivo:

Desde la perspectiva instrumental, Bartok, Debussy, Stravinski contienen fuentes esenciales para todo el rock progresivo, es de especial importancia la adopción de pasajes rítmicos intrincados, en tiempos irregulares 3/4,5/4,6/8,7/4 etc., en la fase mas avanzada del estilo, cuyo precedente es la música Búlgara y de los Balcanes que se fundamenta en la superposición de compases irregulares. Así mismo, la combinación de los elementos clásicos y doctos con el Jazz, permite el desarrollo de una sonoridad distinta, por ello una fuente de importancia insoslayable se ubica en toda la fase exploratoria de la música docta del s.XX y especialmente el desarrollo del sonido electrónico y los compositores de música electrónica.

PRECURSORES DE LA GENERACIÓN BEAT:

ARTHUR RIMBAUD nació en Charleville, Francia, el 20 de Octubre de 1854. Su familia fue abandonada por el padre y abocada a la pobreza y el joven Rimbaud jugaba con los otros niños de la vecindad, pero su madre, excesivamente posesiva, trasladó la familia al otro extremo de la ciudad, horrorizada por la compañía que tenía el pequeño Arthur. Olvidado pues de jugar con otros amigos, Rimbaud se sumergió intensamente en sus estudios a lo largo de toda su adolescencia. En 1870, deprimido por la pérdida de su maestro más querido, que había muerto durante la guerra franco prusiana, se va de casa y llega a París, donde vive en las calles. Inmerso en su propio proceso de rebelión, denuncia a la mujer y a la Iglesia, vive en condiciones desastrosas y estudia a los poets conocidos como inmorales, como Baudelaire, leyendo de todo, desde lo oculto a filosofía. Es ahora cuando su propia filosofía poética toma forma. Para Rimbaud el poeta debe ser un observador; su trabajo debe ser la observación de los sentidos. Considerado un precursor del surrealismo, y en cierto sentido, del movimiento beat, por aquello de la exploración de los sentidos, el desarraigo, el malditismo, etc..., es también considerado uno de los creadores y máximos exponentes del verso libre. En 1871, Rimbaud conoce a Paul Verlaine, diez años mayor, y se traslada a su domicilio. Si ya su amistad fue objeto de controversias, su relación sexual, cuando se supo, fue un auténtico escándalo. En 1872 Verlaine abandona a su mujer y ambos se trasladan a Londres, pero la relación ya se está agotando y hacia 1873, Rimbaud abandona a Verlaine y huye al continente, pero tras una discusión muy regada con alcohol, Verleine le dispara; Rimbaud, harto de la situación, acude a la policía, que arresta a Verlaine y el juez le condena a 18 meses de prisión. Rimbuad sigue escribiendo, y se traslada a Africa -otro punto en común con los beats- como comerciante. Enfermo, regresa a Marsella en Junio de 1891, le han amputado la pierna derecha, probablemente por complicaciones de la sífilis que padece, y cuidado por su hermana Isabelle, murió el 10 de noviembre de 1891.

WALT WHITMAN nació en Long Island, Nueva York, el 31 de mayo de 1819. Adoraba a su madre, Luisa Van Velsor, que era cuáquera. Ella nunca llegó a leer su poesía, a pesar de que le gustaba mucho la literatura, pero dio a su hijo un amor incondicional. Su padre, de ascendencia inglesa, era carpintero y constructor. En una familia de nueve niños, Walt era el segundo. Se vio influenciado por Tom Paine y su panfleto Sentido Común (1776), que formaba parte de su biblioteca. Fue al colegio, pero a los once años tuvo que abandonarlo para ayudar a su familia. A los doce años ya sabía el arte de la imprenta y estaba encandilado con la palabra escrita. A los diecisiete años hacía las veces de profesor en Long Island. Era autodidacta. Demostraba su buen carácter permitiendo a sus alumnos llamarle por el nombre de pila, y les enseñaba juegos para aprender aritmética y gramática. Continuó enseñando hasta 1841. Entonces volvió al periodismo a plena jornada y se convirtió en editor de periódicos en Brooklyn y Nueva York. Desde 1846 a 1847 fue el editor del Brooklyn Daily Eagle. Se fue a Nueva Orleans en 1848, donde fue editor del New Orleans Crescent. En esa cuidad quedó fascinado por la lengua francesa (muchos de sus poemas contienen palabras variantes de este idioma). Volvió a Brooklyn, donde fundó el periódico Brooklyn Freeman y desarrolló su estilo poético, Ya desde mediados de 1830-40 ya desarrollaba el corpus principal de su única obra "Hojas de Hierba" pero todavía no había encontrado ese estilo tan peculiar que luego le haría célebre. Por fin, en 1855 vio la luz "Hojas de Hierba", inmediatamente envió una copia a Ralph Waldo Emerson que, impresionado, le contestaría con una carta en la que se incluían unas líneas que han llegado a ser famosas: "Creo que está usted en el principio de una gran carrera artística". Whitman nunca escribió otra obra, sino que, a través de las sucesivas ediciones de "Hojas de Hierba", nueve en total, incorporaba los nuevos poemas que iba escribiendo, incluyéndolos en temáticas diferentes. Especial relevancia tienen, por la honda impresión que causó en Whitman, los referidos a la Guerra de Secesión americana. Había sido un desconocido hasta entonces, pero sus poemas se convirtieron en música para los oídos. Murió en 1891.

WILLIAM CARLOS WILLIAMS nació en Rutherford, Nueva Jersey, el 17 de septiembre de 1883. Al igual que Chekhov, fue médico de pueblo antes de que se convirtiera en escritor. Estudió en el Colegio Médico de la escuela universidad de Pensilvania, y comenzó sus prácticas como pediatra en su lugar de nacimiento. Su primer obra literaria no la escribió hasta 1909, Poems (Poemas). Llegó a escribir relatos cortos, obras de teatro y autobiografías, que iba intercalando con la composición de sus poemas. Su más lograda realización fueron los cinco libros de poesía sobre Paterson, al norte de Nueva Jersey, tema que aprovechó para convertir en poema épico, y que a nadie se le había ocurrido utilizar. Recibió por esto cartas de jóvenes poetas que le admiraban, entre ellos, desde Paterson, Allen Ginsberg, desconocido por aquel entonces. Williams escribió la introducción de "Howl and Others Poems" (Aullido y otros poemas) para Ginsberg, a mediados de los cincuenta.

 
Recibió el premio Pulitzer en 1963, el año de su muerte.

HENRY MILLER nació en Manhattan, New York, en 1891. Comenzó su vida bohemia en Big Sur, California, tras haber vivido donde había nacido y en Brooklyn. Su visión descarnada de la vida americana, donde se fundían sexo y romanticismo, le dio gran prestigio. Su vida agitada, alternando pintura y literatura, desvela un auténtico rebelde creador, que tanto ha significado para los beatniks. La sensualidad de sus obras abre el camino a Charles Bukowski y William Burroughs. En sus obras se pone de parte de quienes sufren, no de las clases privilegiadas, y en ellas tiene un héroe central, que es él mismo, a veces rebelde, a veces bufón. Lo indecente se convierte en ético y reincide una y otra vez en una promiscuidad textual que no llega a cansar, ya que siempre tiene una chispa de talento mordaz que todo lo cambia, dejando consignas a los beatniks.Nunca se consideró viejo, e incluso confiesa cómo alcanzó la juventud cerca de los cincuenta años. Sus novelas más notables son Tropic of Cancer (Trópico de Cáncer, 1934), Tropic of Capricorn (Trópico de Capricornio, 1939), Big Sur and the oranges of Hyeronimus Bosch (1957) y Black Spring (1936-1961).

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DE LA MÚSICA:

Roto el proceso cultural de las sociedades nativas de América como efecto del enfoque colonial impuesto, la concepción artística propia de nuestro continente cambió de rumbo; los fenómenos del mestizaje, el enfrentamiento dramático de dos mundos y las aculturaciones consiguientes, impusieron nuevas y distintas expresiones y otros modos de manifestación del arte, adaptándose por centurias, como es de suponer, a posturas estéticas, procedimientos y nuevos públicos, hasta llegar al momento actual, situando a nuestros artistas ante rumbos universales que marcan diferentes, cambiantes, insólitos y sorpresivos imperativos en la ideología del arte.

Finalizadas las guerras mundiales, el Blues y el Jazz, que afloran desde Norte América, con sus instrumentos evocadores (xilófono, saxofón, banjo, batería, trombón) ejercen con sus portamenti (transición de un sonido hasta otro más agudo o más grave, sin que exista una discontinuidad o salto al pasar de uno al otro. Sólo se puede realizar en un instrumento de cuerda (como el violín, la guitarra, el bajo), en un trombón de varas o en la voz) y ritmos sincopados, una verdadera influencia para la música. Igualmente, la multiplicación de los instrumentos de viento y de los instrumentos de percusión así como también las posibilidades ofrecidas por ciertos instrumentos (las ondas martenot) desempeñan su parte en esta transformación musical.

De este modo nos encontramos hoy en presencia de un verdadero abanico sonoro de creación de formas, con un carácter internacional pero que hablan conforme a su genio los músicos de las escuelas nacionales, multiplicadas desde hace medio siglo.

DEL PROGRESIVO:

Una característica estilística propia del rock progresivo está dada por la experimentación rítmica, que se manifiesta en una intensa utilización de métricas cambiantes e irregulares. El rock progresivo es tal vez el género musical que ha explorado de forma más sistemática la asimetría y la alternancia rítmica, rasgo prácticamente inexistente en la tradición clásica hasta comienzos del siglo XX y en la mayor parte de la música popular contemporánea. Las bandas de rock progresivo empujaron "las fronteras técnicas y compositivas del rock",. La Oxford Companion to Music afirma que las bandas de rock progresivo "...exploraron estructuras musicales extendidas que incluyeron intrincados patrones instrumentales y texturas, y a menudo temas esotéricos." .Además, los arreglos incorporan a menudo elementos tomados de la música clásica, el jazz y la música del mundo. Con respecto al contenido lírico-conceptual, el rock progresivo suele distanciarse del rock tradicional en cuanto a estilo y temáticas. Con frecuencia, las extensas obras musicales típicas del género permanecen fieles al formato “canción”, aunque las letras no siempre tienen carácter narrativo. A veces los letristas prefieren procedimientos ligados al absurdo o al surrealismo, o buscan explotar las propiedades puramente sensuales, texturales o sonoras de las palabras. Es habitual asimismo el uso de significados ambiguos, versos libres y métrica irregular.

EL MOVIMIENTO BEAT Y SUS CONEXIONES CON LA MÚSICA

ARTISTAS
DAVID BOWIE

BOB DYLAN

JANIS JOPLIN

VAN MORRISON

IGGY POP

PATTY SMITH

FRANK ZAPPA

GRUPOS
GRATEFUL DEAD

JETHRO TULL

PINK FLOYD

VELVET UNDERGROUND

David Bowie

Está muy familiarizado con las obras de William Burroughs e incluso a reconocido su influencia estilística en las letras de sus canciones, para Bowie, Burroughs es otro compañero de los años sesenta al igual que otros profetas de la contracultura como Andy Warhol o Marshall McLuhan.

"Diamond dogs" es el trabajo en el que más claramente se aprecia la influencia de Burroughs; este albúm de gran influencia orwelliana comienza con una introducción hablada llamada "Future Legend" que proviene de uno de los "cut-up" de Burroughs.

 
Por otro lado, en el albúm en directo "David Live", lo primero que se oye es una melodía de tintes árabes, grabada en Tanger.

 
Una curiosidad: en una reciente entrevista, Bowie ha contado que el título de su famosa canción "Jean Genie" se le ocurrió estando en la librería City Ligths, donde vio una serie de obras del novelista frances Jean Genet, que fue uno de los escritores que más influenciaron a Kerouac.


Bob Dylan

Allen Ginsberg era uno de los poetas favoritos de Dylan y llego a formar parte de su íntimo círculo de amistades, llegando a colaborar en varios proyectos juntos, como la película "Don´t look back", en varias canciones a loa largo de los años 70 y en el legendario Rolling Thunder Revue Tour, y en la película de esa gira, en la que se ve a un emocionado Ginsberg leyendo su poema "Kaddish" y visitando la tumba de Kerouac.

 
A pesar de la estrecha relación entre ambos, el punto de vista creativo de Dylan es más próximo a Kerouac, quizás por la presunta admiración, no reconocida por él, que Dylan sentía hacia la obra de Kerouac, entevista por ejemplo en "Last thoughts on woody guthrie" en The Bootleg series. Sin embargo, Kerouac no tenía una elevada opinión de Dylan, quizás por el profundo rechazo que despertaba en él todo lo relacionado con los hippies y la explosión contracultural de los sesenta.

Janis Joplin

La famosísima canción "Buy me a Mercedes- Benz" es muy conocida, pero lo es menos el hecho de que la letra es del poeta Beat Michael McClure.

Van Morrison

Hay gran cantidad de referencias literarias en las letras de Van Morrison, existen citas de William Blake, Rimbaud, Joyce, y también breves menciones de miembros de la generación Beat, especialemente Kerouac, al que, más que referirse a su onra, invoca nominalmente, como por ejemplo en la canción "Cleaning windows" del albúm "Beautiful Vision" (1982) o en "On Hyndford Street" (Hymns to the silence, 1993).

Iggy Pop

En la canción "Little Miss Emperor", coescrita por Iggy Pop y David Bowie, se parafrasea el peoma "Howl" de Allen Ginsberg:

I saw the best minds

Of my generation

Learn how to Crawl

Across our nation

Conformity falls.

Patti Smith

Otra cantante en la que la influencia de Rimbaud es harto manifiesta, como se ve en el álbum "Horses": "go Rimbaud and go Johnny go". También es conocida su devoción por William Burroughs al que dedicó su elepé "Peace and noise" de 1997, que también incluye referencias al "Howl" de Allen Ginsberg.

Frank Zappa

Existen varias referencias a los Beats en los elepés de Frank Zappa con los "Mothers of Invention", entre ellas la parodia que hace Zappa de la forma de recitar de Ginsberg en la introducción a la canción "Muffin Man" del elepé directo "Bongo fury".

"Grateful Dead"

Los Dead estuvieron muy ligados al movimiento Beat incluso antes de ser los "Grateful Dead". Cuando Ken Kesey, autor de "Alguien voló sobre el nido del cuco", comenzó a vislumbrar la idea de las que luego se conocieron como "Fiestas del Ácido", contaba con la inestimable colaboración de Neal Cassady, experto en cualquier tipo de celebración lúdica, y con una banda, los "Warlocks"que, bajo la dirección de Jerry García, amenizaban las Fiestas. Está banda, posteriormente cambio su nombre; se pasaron a llamar "The Grateful Dead"
Estas "celebraciones" comenzaron entre 1965 y 1966, antes del Verano del Amor y la explosión del movimiento hippie, del que los Beats son claros, y principales, precursores.
Los "Grateful Dead" estuvieron siempre muy unidos en cuanto a ideología con el movimiento Beat y también por la relación que mantuvieron con algunos de sus miembros, ya fueran de los fundadores, como Neal Cassady o de los miembros posteriores, especialmente Ken Kesey. Precisamente a Cassady le dedicaron varias canciones, como "The other one" y "Cassady", en las que demostraban su amistad/adoración por tan curioso personaje.

"Jethro Tull"

Esta conocida banda que exploró, en los años setenta, las posibilidades de fusión entre los ritmos celtas y el rock progresivo no aparece en primera línea de los grupos influenciados por cualquier miembro de la Literatura Americana. De todas formas, en el elepé "Too old to Rock and Roll" incluyen una canción titulada "From a dead Beat to an old Greaser"

 
"Pink Floyd"

La relación de este grupo con los Beats, si bien no tan reconocida como la de los Grateful Dead si existe, sobre todo por el hecho de que los muchachos de "Pink Floyd" procedían de la escena psicodélica del Londres de mediados de los sesenta que había comenzado con el Festival Poético Internacional celebrado en el Royal Albert Hall en 1965 y en el que habían participado, entre otros, Ginsberg, Ferlinghetti y Corso.

 
Probablemente, la mejor muestra de la conexión entre "Pink Floyd" y los Beats es Miles, el dueño de la librería Indica y miembro en la escena poético-artístico-rock de los "Pink Floyd". Escribió el mejor libre que existe sobre este grupo: "Pink Floyd: A Visual Documentary by Miles" y también la mejor biografía sobre Allen Ginsberg. Como anécdota decir que fue en la librería Indica donde se conocieron John Lennon y Yoko Ono.

 


"Velvet Underground"

En el Festival Poético del Royal Albert Hall también estaban presentes Andy Warhol y Gerald Malagna, y mientras Kesey y los "Grateful Dead" creaban el Haight- Ashbury en San Francisco, y Pink Floyd participaba activamente en la puesta en marcha de la escena psicodélica en Londres, Warhol estaba convirtiendo Greenwich Village y el Lower East Side en su propio patio de colegio dedicado al arte, las películas, las drogas y, por supuesto, a la música. La banda que acogió bajo su tutela fue la "Velvet Undergrund" cuyos principales integrantes eran Lou Reed y John Cale.
Las conexiones con los Beats son bastante numerosas, pero tienden a ser accidentales, Tanto la gente de Ginsberg como la de Warhol compartían la misma zona de juegos, el Lower East Side, pero sus filosofías de vida eran algo diferentes lo que impidió que ambos crearan mejores alianzas creativas.

Por otro lado, Lou Reed como letrista ha sido comparado muchas veces con Burroughs, ya que a ambos les fascinaban las drogas, los pasos hacia la depravación humana y el mismo lado de la vida. Pero mientras Burroughs jugaba con ideas, con la ruptura de reglas para hacer su trabajo incomprensible, Reed es un minimalista, y escribe sobre las emociones con gran claridad. En realidad, en cuanto a las revelaciones emocionales sobre si mismo, Reed está más próximo a Kerouac y a Ginsberg que a Burroughs.

 

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DE LA MÚSICA:

Cuando decimos “música contemporánea”, todo el mundo sabe que se trata de música de nuestro tiempo; pero ¿Qué queremos decir con la expresión “música moderna”?, a menudo estos términos se consideran equivalentes. No lo son. Nuestros músicos contemporáneos no son todos modernos, ni mucho menos. Durante el siglo XIV, ¿no se oponían ya los partidarios del Ars Nova o moderni a los músicos que se habían mantenido al Ars Antiqua?.

En el transcurso de la historia, el espíritu “moderno” se ha manifestado bajo formas muy distintas; sin embargo, todas presentan un rasgo en común: lo moderno esta en oposición con el arte de sus contemporáneos. A veces deliberada y sistemáticamente; a veces sin querer, incluso sin saberlo y olvidando el ambiente que le rodea, siguiendo simplemente su camino. No podemos olvidar que puede haber también falsos modernos, no conformistas por conformismo, que en la confusión de los períodos críticos consiguen, a veces, engañarnos momentáneamente.

DEL PROGRESIVO:

El progresivo mezcla tres elementos principales:

I.- La construcción de la música de concierto.

II.- La libertad e instrumentación del jazz.

III.- La experimentación de la música electrónica.

La construcción de la música de concierto: se refiere a la utilización de elementos como la partitura. Las obras son compuestas, planeadas, pensadas. Las obras tienen movimientos, diferentes intenciones musicales durante la obra.

La libertad e instrumentación del jazz: se refiere con libertad, a que a pesar de tener una composición hecha, los músicos tienen su oportunidad para sobresalir, para hacer sus solos. Y con instrumentación se refiere a que, a que no hay un sonido principal en la obra. No sobresale o destaca un sonido específico, como lo hace por ejemplo, la voz en la música popular, o una guitarra pesada en el heavy metal. Incluso en batería el músico tiende a usar plumillas en vez de baquetas con el fin de conseguir un sonido menos denso, menos duro.

La experimentación de la música electrónica: se refiere a que se utilizan elementos como la psicodelia, como los efectos de sonido por manipulación de cintas en estudio, pero por sobre todo, el uso del órgano hammond, del sintetizador moog y del melotrón como sonido característico del rock progresivo.

DE LA GENERACIÓN BEAT.

"Todo me pertenece porque soy pobre" 

Esto es la Generación Beat.

La Generación Beat fue uno de los movimientos culturales más prominentes del siglo XX. La etapa de transición entre el fin de la segunda guerra mundial y el crecimiento de la sociedad de consumo de los años cincuenta dieron lugar a una generación subversiva que defendió la originalidad y el individualismo y reaccionó contra las leyes establecidas del conformismo de la época y las medidas del presidente Eisenhower quien permitió, entre otras cosas, el uso de armas nucleares por EE.UU.

La Generación Beat fue primero definida por John Clellon Holmes como una juventud que había sido usada, que estaba en carne viva, desnuda de mente y alma. Más adelante, Jack Kerouac modificó esta visión pesimista y añadió los significados de beatitud y belleza al término. Podría afirmarse que el movimiento llegó a oídos de todos con la publicación de En el camino de Kerouac, quien más tarde se convertiría en el portavoz de los Beat. En un ambiente cargado de be-bop y "té" (marihuana), Sal Paradise emprende su viaje hacia el oeste americano y rechaza toda forma de vida convencional. Como todos los miembros de este grupo de escritores, Kerouac retrata situaciones extrañas llenas de locura, alcohol y jazz.

Debido al contenido controversial de su obra, este grupo de artistas fue considerado una amenaza para los jóvenes, una manera de incitarlos a actos violentos o vandalistas, a la promiscuidad o a las drogas. Fue entonces cuando Kerouac publicó su auto-defensa, donde niega el papel de corruptor que le ha asignado la opinión pública y ofrece un razonamiento legítimo sobre el contenido de su obra. La razón por la cual aquella generación se caracterizó por la renuncia a las convenciones sociales fue precisamente causada por la pérdida de valores que había seguido la segunda guerra mundial y a la llamada "Generación Perdida", sumado a la falta de una reconstrucción de estos con la nueva sociedad de consumo. La generación Beat necesitaba algo en que creer, algo en lo que pudiesen tener fe, algo que en aquel contexto no podía encontrarse dentro de la sociedad.

Pero los Beats no sólo se dedicaron a la huida y a desentenderse de su contexto. La obra de estos artistas está cargada de un mensaje político en el que se promueve la liberación sexual y espiritual y una consciencia ecológica, así como una oposición a la maquinaría militar del estado. William Burroughs (El almuerzo desnudo), Ken Kesey (Alguien voló sobre el nido del cuco) y Allen Ginsberg ("Aullido") muestran en sus obras mundos en los que la explotación física y la anulación mental son lo que habilitan la construcción del estado. La forma de transcender ese contexto es la huida que encuentra diversas formas: las drogas, el budismo, el viaje hacia el oeste, en definitiva la renuncia a lo material, resumido en la frase de Kerouac "Todo me pertenece porque soy pobre". En otros casos, la transcendencia se encuentra en la convivencia con la naturaleza o en el contacto con la parte más animal de uno mismo. La poesía de Michael McClure muestra rugidos entremezclados con palabras inteligibles en su "lenguaje de bestia". La oposición a todas las convenciones está presente no sólo en la temática, sino también en la forma en la que estos artistas construyen su obra. La generación Beat adapta la improvisación en la escritura, con un lenguaje frenético e imparable con el que querían imitar la espontaneidad y la energía del jazz, en especial la música sin barreras de Charlie Parker.

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DE LA MÚSICA:

Los aparatos electroacústicos dan al músico plenos poderes sobre el medio en que realiza el acto musical, sobre este acto mismo y sobre su ejecución. La completa autonomía que de este modo le aseguras se extiende pues a los tres sectores del universo. Al igual que el pintor, de ahora en adelante el músico va a producir la obra al ejecutarla, es decir, al hacerla sonora; nace en el transcurso de la de su sonorización. El papel de los aparatos electroacústicos no es igual al de los instrumentos; se compone para estos, teniendo en cuenta sus particularidades, pero se compone con aquellos, porque su función es activa, la composición de la obra, la misma obra en tanto que acto, y su ejecución, coinciden ahora en esta música que escuchamos difundida por altavoces, grabada en un disco (CD o acetato) o medio digital.

En efecto, el compositor ya no ha de actuar en un espacio fragmentado, puntual; ahora tiene a su disposición un continuum, una especie de depósito de fenómenos sonoros en potencia que puede realizar a su gusto y de muchas maneras, es decir, por distintos métodos. A partir por ejemplo, de los sonidos sinusoidales (es decir, puros y desprovistos de parciales) que habrá escogido para trabajarlos y enriquecerlos después con los parciales, o al contrario, partiendo de un sonido “blanco”, de una sonoridad confusa o de un ruido: analizados con los aparatos, disociados y modificados en su ordenación interna y en sus componentes, darán lugar a otros elementos. Pero este material ya es materia, porque ha sido engendrado y formado por las variaciones a que le ha sometido el autor, conforme a un proyecto global que se había establecido, y ello a lo largo de las operaciones en las que se revela a la vez como compositor y como ejecutante, ya que manipula aparatos, los toca. Y la obra así producida desprende del continuum su propio espacio, lo constituye al tiempo que lo realiza.

DEL PROGRESIVO:

El rock progresivo tiene una larga tradición en Latinoamérica desde los años 70, principalmente en Brasil, Argentina y Uruguay. En algunos de estos grupos, la influencia de las bandas anglosajonas convive con el interés por la música folklórica, dando lugar a fusiones musicales propias.

Las composiciones progresivas se caracterizan por el uso de movimientos, como en las obras de música clásica, y por la adición paulatina de nuevos instrumentos que van desarrollando los temas musicales planteados en la pieza y la improvisación, cercana a menudo a los cánones del jazz, junto con un componente experimental heredado de la música electrónica. Son características del género las canciones largas, los álbumes conceptuales, las letras ambiciosas, el virtuosismo de los instrumentistas y un uso prominente del melotrón y sintetizadores. Aunque no todos estos rasgos se dan siempre, son habituales en las bandas que dieron forma al género, como Soft Machine,The Moody Blues,The Nice, King Crimson, Emerson, Lake & Palmer, Camel, Focus, Genesis, Gentle Giant, Jethro Tull, Pendragon, Supertramp, Mike Oldfield, The Alan Parsons Project, , Pink Floyd, Rush, Renaissance, y Yes. Los conciertos de estas bandas son generalmente grandilocuentes y espectaculares, especialmente en los grupos populares de la década de 1970, tales como Yes o Pink Floyd,24 mientras que sus letras suelen tener pretensiones literarias, a diferencia de las de los grupos de otros géneros.24

Una de las influencias principales de este tipo de música se encuentra en la música minimalista que incluye a artistas como Steve Reich, John Adams, y Philip Glass y el "Gamelan", la música de Java. En ambos tipos de música predomina un elemento repetitivo e hipnótico, potencialmente inductor del trance. En este sentido, el rock progresivo conecta con las aspiraciones de la psicodelia, pudiendo considerarse muchas composiciones del género como música creada para acompañar el viaje psicodélico o reproducir, sin ayuda química, su estructura y efectos. Un ejemplo temprano de la aplicación de la técnica minimalista al rock es la composición "Sister Ray" de The Velvet Underground.

Argentina

En 1967 aparece el grupo Almendra liderado por Luis Alberto Spinetta, que presentaría las primeras canciones con tintes progresivos dentro del rock argentino. Si bien la banda no se encasillaba en el género, sino que también abarcaba otros sonidos como el jazz y el rock, fueron los primeros en introducir los cambios de melodía característicos del rock progresivo. Luego de tres años de carrera la banda se separa y Spinetta continúa con la experimentación dentro del rock progresivo en Invisible y Spinetta Jade.

El otro músico clave dentro del rock progresivo argentino (y del rock argentino en general) fue Charly García, quien lideró las bandas Sui Generis (1971-1975), La Máquina de Hacer Pájaros (1975-1977) y Serú Giran (1978-1982). Dentro de estas, La Máquina de Hacer Pájaros fue la más marcadamente progresiva con claras influencias de Genesis, Yes, Camel, y Steely Dan. La banda lanzó dos discos enmarcados en el rock progresivo sinfónico fusionado con folklore y tango hasta que se separó debido a su escaso éxito comercial.

En 1971 aparece Arco Iris liderada por Gustavo Santaolalla y con un sonido que combinaba el progresivo y el jazz rock con el folklore local. Ese mismo año Vox Dei lanza uno de los discos fundamentales del rock progresivo argentino, La Biblia. Este es un álbum conceptual que se centra en los textos sagrados del cristianismo.

Posteriormente se formó Ave Rock, uno de los primeros grupos en intentar lograr un sonido sinfónico más cercano al de las bandas europeas como Genesis, Yes y Emerson, Lake & Palmer, algo que luego fue continuado por bandas como Espíritu (que aún continúa en actividad) y Crucis. En la ciudad de Rosario surgió a mitad de los 70 un grupo de estas mismas características que se denominó Pablo el enterrador. En 1975 se forma el trío Alas (Gustavo Moretto, Carlos Riganti y Alex Zucker luego reemplazado por Pedro Aznar) quienes se enmarcaban en el rock progresivo sinfónico pero también incluía elementos del tango (especialmente de Piazzolla) y del folklore. También se debe destacar a Aquelarre (grupo de los ex-Almendra Emilio Del Guercio y Rodolfo García), Nexus(con el famoso tecladista Lalo Huber) y Atempo (Hiro, Villanueva, Aguirre, Fazio). Esta última ha sido la primera agrupación de rock progresivo latinoamericana en ser tapa de la prestigiosa revista francesa Harmonie.

Hacia fines de la década de 1970 se habían separado la mayoría de los grupos de rock progresivos más populares. Una de las últimas bandas importantes del período del rock progresivo fue Tantor, un grupo mucho menos sinfónico y más experimental y progresivo, con influencias del jazz. Su primer álbum sería un éxito en la escena progresiva y la banda continuaría hasta mediados de la década, siendo una de las últimas bandas de esta etapa.1

El rock progresivo sinfónico ha tenido desde la década del 2000 un importante resurgimiento que aunque no deja de manifestarse como algo "under" muestra algunos exponentes a nivel nacional. En La Plata se realiza desde 2003 el festival Sinfo Prog y en 2010 tuvo lugar la Primera edición del Festival de Rock Progresivo Ciudad de La Plata, La Plata Prog 2010. Desde esta ciudad han surgido bandas como Farenheith y Baalbek y actualmente otras como Akenathon, Ünder Linden,La Increíble Fuga de triángulos, Hexatónica, Quaker. En Rosario bandas como Danae, La Gota, Láquesis y Skatos, y la histórica Pablo el enterrador, que sigue en actividad actualmente. Mientras que en Buenos Aires las principales bandas son Pez; Isósceles, influenciada por el jazz fusión, el rock psicodélico y el hard rock; y De Rien, por Porcupine Tree, King Crimson y Genesis. Nexus sigue activa, con excelentes críticas y ventas en distintos países de América, Europa y Asia y ha cosechado un prestigio casi inédito en bandas del estilo procedentes de América Latina.

También han surgido nuevos grupos que combinan, de distintas maneras y matices, el folclore argentino típico con el rock progresivo y el metal, generando nuevas formas de expresión y un nuevo sub-estilo, propiamente regional. Dentro de esta vertiente se encuentran bandas como Dragón de Hierro (Chascomús), Raza Truncka (Salto), Uranian (Bahía Blanca) y Alkimia (Tucumán), entre otras. Mientras otras bandas incursionan en la fusión con el tango y la milonga, entre ellos podemos mencionar a Alas, Tanger, Golem y William Gray, y grupos como Quantum tango,o La Fábula Ciudadana, (Buenos Aires, Capital) mezclan el tango clásico y puro con el estilo y sonido del rock progresivo.

A mitad y finales de la decada del 2000, dentro de la escena "under" de Buenos Aires, surgieron entre muchos, grupos como Defórmica, que incorporan elementos del Math rock en su música, Honduras Libregrupo, Bauer, Proyecto Quasar, Futbol, y propuestas más actuales como el grupo platense Cuco (anteriormente bajo el nombre de Milica) y Camafeo, que incorporan el Noise rock, haciendo a veces uso de la improvisación en vivo en sus presentaciones, con influencias Post-hardcore con un perfil DIY, mostrando la fuerte influencia de la cultura Hardcore punk en Buenos Aires y la estética independiente Lo-fi (música) mediante el uso de la autogestión.2

Muchas de las bandas de rock progresivo Argentino mostraron su vigencia y su talento en el exitoso festival de Rock Progresivo La Plata Prog en setiembre de 2011.

Bolivia

Sigue en actividad la banda de rock Wara, con influencias del rock psicodélico británico, el folklore andino y la música clásica. Su primer álbum El Inca, editado en 1973 es una muestra de estas influencias.

En la década de los '70 hubo también una banda de rock progresivo llamada Climax. Formada por Javier Saldías (bajo), Pepe Eguino (guitarra eléctrica) y Álvaro Córdoba (batería) muestran su mayor influencia de la banda Emerson, Lake & Palmer en el disco Gusano Mécanico. También presentaron en concierto el disco Tarkus de la misma banda.

Otras bandas como Comunidad y The Loving Darks experimentan con el rock progresivo.

Brasil

En Brasil, artistas como Sagrado Coraçao da Terra, Os Mutantes y Caetano Veloso, que comenzaron su carrera salidos del movimiento psicodélico a finales de los años 60 e inicios de los 70, editaron algunos discos cercanos a esta corriente. Otros grupos, como Quaterna Requiem, Bacamarte, Angra y Aether, han hecho historia dentro del rock sinfónico latinoamericano. No se debe dejar de lado a Tempus Fugit, con una clara influencia de Yes, ELP y Genesis.

Chile

En Chile Los Jaivas encabezan claramente un folk sinfónico con huellas de la música tradicional del altiplano. También aparecieron grupos muy destacados como Tryo, Ergo sum, La Neura, Fusión Judá, Entrance, Miel, Fulano, Astralis, Mar de Robles, La Desooorden, Matraz, Akinetón Retard,Shilensis, Subterra, Strobos, y Congreso en algunas de sus producciones antiguas.

Colombia

Entre los grupos y artistas más conocidos en Colombia se encuentran Andrés Osorio, Jaén Kief, Merlin Hexer, Jorge Burbano, Orion's belt,hiddenpath, noizart, Sigma y Tom Abella. Un caso significativo es el de Kraken, grupo que se define como "rock duro progresivo".

México

En México el rock progresivo tuvo su auge durante la década de los '70 y sobre todo en los '80. A comienzos de la década del 70 varias bandas de rock incursionaron parcialmente en el género, como El Ritual (Banda), Los Dug Dug's, Toncho Pilatos (el primer álbum), La Revolución de Emiliano Zapata y Náhuatl. Cabe destacar al grupo de Rock originario de la Ciudad de Mexicali Cast quienes fueron reconocidos internacionalmente inclusive en paises lejanos como Japon, pero en su país solo eran seguidos por un escaso público.3

El grupo Nuevo México, comandado por dos iconos del rock de México, Jorge Reyes en la flauta y Carlos Mata en la guitarra, hizo su primer disco de rock netamente progresivo en el año 1973, llamado Hecho en casa. A finales de los 70 Jorge Reyes abandona Nuevo México y forma grupos como Decibel, Al Universo y Chac Mool. A finales de los 70 y en los años 80 se formaron otros grupos como Iconoclasta, Cast, Delirium, Praxis. Arturo Meza y Carlos Alvarado incursionaron también en el género.

Perú

En Perú a fines de los 60s e inicios de los 70s harían su aparición bandas como Laghonia, Traffic Sound, Frágil, We All Together, Leusemia, Flor de Loto. Frágil es la banda que más éxito tuvo musical y comercialmente, su disco de 1981 "Avenida Larco" se convirtió en un clásico del rock de ese país además de tener influencias del rock progresivo sinfónico (Genesis) y el folk rock progresivo (Jethro Tull). Actualmente la banda más popular de rock progresivo en Perú es Flor de Loto, que tiene una gran influencia del género rock de fusión.

En 2004, la banda Leusemia sacó a la luz el disco "Hospicios: Los últimos ciudadanos de la séptima casa de la obscuridad", siendo el disco más progresivo de la banda dejando atrás el lado experimental que tuviera en 1998. Hospicios es una obra conceptual (primera y hasta ahora única hecha en el Perú) cuyas características en los pasajes sonoros del disco da en evidencia la clara influencia del álbum "The Dark Side of the Moon" de la banda británica Pink Floyd. También destacan otros dos discos de Leusemia como "Al Final De La Calle" (2000) y "Yasijah" (1999), en este último incluyeron un cover de Pink Floyd (Saucerful of secrets) en la canción "Eclipse en la Corte de los Cuentos Desolados". Discos en el que participa el violinista Nilo Borges. A partir del 2010 el colectivo Sonidos Latentes comienza un ciclo de festivales en Peru llamados "Una Noche de Rock Progresivo" estando ya realizada la cuarta edición. Se han presentado los mejores grupos de la escena progresiva peruana: Flor de Loto , Circo Al Eden, Kharmina Buranna, DelPueblo del Barrio,Arbol de Fuego, GX, Eter-k, La Caja de Schrodinger, Shakken, etc.

Uruguay

En los '70, los grupos característicos de este estilo fueron, Totem y Psiglo. Psiglo se destacaba por su virtuosismo y estaba fuertemente influida por bandas internacionales como Deep Purple, King Crimson y Pink Floyd (tomando de este último lo comprometido de sus letras para con una causa). Editaron dos álbumes antes de separarse, Ideación y Psiglo II. Luego de la disolución del grupo sus músicos continuaron con otros proyectos.

Venezuela

A fines de los años 1960 aparecen algunas bandas psicodélicas dentro del panorama musical venezolano que serían la base para las bandas posteriores. En este sentido se puede nombrar a bandas como Los Impalas, The Love Depression y Ladies WC. También surgieron en esos años grupos que interpretaban jazz fusión con algunos ribetes progresivos como Aditus, La Banda Municipal, Almendra y Esperanto.

En los años 1970, el músico Vytas Brenner forma el grupo Ofrenda que se caracteriza por la fusión entre el rock progresivo y la música folklórica del país. La banda edita una serie de discos como La Ofrenda de Vytas Brenner (1974), Hermanos (1974) y Jayeche (1975) antes de volcarse hacia un sonido más comercial. En 1977 aparece la banda Témpano que se encuadraba dentro del género progresivo sinfónico, al igual que la banda Estructura que se forma un año después. También se puede nombrar a otras bandas y artistas como Equilbrio Vital, Ficción, Spiteri y Fernando Yvosky. Todos estos artistas tenían en común la fusión entre los sonidos del progresivo clásico y sinfónico y los ritmos y sonidos autóctonos como el joropo, las gaitas y el sonido del cuatro o el arpa, entre otros.

También existió en el país una corriente de música electrónica progresiva, representada por artistas como Rada, Miguel Angel Noya, Miguel Angel Fuster, Musikautomatika y Vinicio Adames.

Actualmente continúan algunos grupos clásicos como Témpano y algunos más recientes como Raimundo Rodulfo, Kotebel, Pig Farm on the Moon, PI XPRNC, Echoes y Sexto Sonar .

Costa Rica

Introvisión es una banda experimental de rock progresivo formada en el 2003, la banda lanza el disco "08:36:59" en el 2010. El álbum fue masterizado en Abbey Road Studios.